DREAM THEATER – “Awake” (1994) Review


Hablar de la música de estos gigantes del Metal progresivo es sentir la poesía de sus acordes en sus canciones. Formada en 1985 por John Petrucci (guitarras), Mike Portnoy (batería) y John Myung (bajo) durante su estancia en el Berklee College Of Massachusetts. Desde entonces, la maquinaria de Dream Theater no ha cesado de facturar discos de una calidad superlativa. Me he decantado por su tercera obra, “Awake”, por ser el primer trabajo con el que descubrí a la banda, el cual me llevaría hasta su anterior y magnífico “Images&Words”, de 1992 y su debut discográfico de 1989, “When Dream And Day Unite”. El álbum significó un cambio de sonido y termino de asentar el proyecto sonoro de unos musicos de fantasía que marcarían el futuro del Metal progresivo. A lo largo de la historia de la banda siempre han buscado una evolución e innovación inherente al género. El resultado de “Awake” está más orientado al Metal oscuro y pesado, aunque sin perder un ápice de melodía. En definitiva, un tesoro musical de la banda de Long Island.

Los 75 minutos de Metal progresivo abren fuego con “6:00”, un tema donde la batería de Portnoy nos muestra una introducción memorable con un juego de platillos mágicos mezclados con una fuerza tremenda en toda la pieza. El sample de voces del comienzo es una adaptación de una historia corta del reconocido escritor irlandés James Joyce, que se llama “The Dead”. Entre algunos acérrimos del grupo, reproducir el tema el día de Navidad a las seis de la mañana con la frase: “6:00 on a Christmas morning” se ha convertido en algo habitual. John Myung es su pareja perfecta de baile para dibujar con su bajo notas magistrales y la guitarra de Petrucci resulta corrosiva y punzante, todo ello envuelto por un desarrollo primoroso de teclados de Kevin Moore. Un pedazo de comienzo para uno de los discos de referencia de la banda.

La segunda pista es “Caught In A Web” donde James LaBrie y su voz lucen esplendorosas. En mi humilde opinión, en este álbum, LaBrie se encuentra en uno de sus mejores momentos. La guitarra de 7 cuerdas de Petrucci otorga a la canción una cadencia más densa y factura unos riffs complejos e inverosímiles. No en vaso, el guitarrista neoyorquino se ha ganado una merecida reputación de ser uno de los mejores hachas del planeta. El teclado de Moore es otra delicia para los sentidos.


“La portada fue una creación conjunta de los miembros de Dream Theater”.

“Innocence Faded” tiene un estribillo elaborado y pegadizo con James LaBrie de nuevo como protagonista. Su voz regala a nuestros oídos energía y fuerza a partes iguales. No sabría como definirla (la percibo como una mezcla de balada con toques de pieza progresiva cuyo colofón es la demostración de un virtuosismo sublime de los miembros de Dream Theater). Cada vez que la escucho, revivo las maravillosas sensaciones que me produjo el descubrimiento inicial de los Dioses del “Teatro de los Sueños”.

Llegamos a una trilogía sonora llamada “A Mind Beside Itself”, que engloba tres temas que se fusionan perfectamente para dar cuerpo a una pieza para sibaritas que nos incita al orgasmo instrumental con su primera entrega,“Erotomania”, donde Petrucci, Portnoy, Moore y Myung demuestran técnica a raudales y nos lanzan a un espacio donde dar rienda suelta a nuestra imaginación. La canción enlaza perfectamente con la soberbia y épica, “Voices”, que para mi gusto, es de los mejores temas del álbum y uno de los clásicos de la formación. Con una base rítmica sólida y potente unidas a un James LaBrie susurrante al inicio, mezclando su voz con interesantes pasajes de piano de Moore. El tema representa a las mil maravillas la esencia de Dream Theater, música de ejecución compleja y pesada, que transita por sendas invadidas de técnica y cielos sonoros de melodías evocadoras que se graban en la memoria. La pieza transita entre la crítica de las religiones y la esquizofrenia sin decantarse por ninguna de ellas. Los acordes que escuchen los Dioses deben asemejarse mucho a esto. El círculo se cierra con la exquisita y pausada “The Silent Man”, una hermosa balada que está en las antípodas de sus predecesoras. La guitarra acústica de John Petrucci presenta la canción y la lleva hasta el punto de buscar una solución en la voz de James LaBrie a los pensamientos que atormentan al protagonista de la anterior “Voices”. El videoclip del tema fue grabado en Alemania durante la gira europea y rodado bajo la dirección de Mike Portnoy, donde este dio rienda suelta a su pasión por el séptimo arte tratando de aglutinar los elementos presentes en la portada del disco en imágenes.



La fusión de las tres canciones supone el primer coqueteo del grupo con la temática de las enfermedades mentales que tratarían en profundidad en su sexto trabajo de estudio, “Six Degrees Of Inner Turbulence”, publicado en 2002 y que será una de las señas de identidad de Dream Theater.



“The Mirror” nos adentra en una composición pesada que trata de Mike Portnoy y sus problemas con el alcohol. La canción fue escrita por el virtuoso batería y significó una de sus primeras incursiones compositivas dentro de la banda. El comienzo es denso y oscuro con LaBrie y Portnoy entrelazando sus voces para conducirnos a los entresijos de las reflexiones del inmenso batería. Sin darnos cuenta, al final de la oscuridad de la canción nos descubre un amanecer opulento y trepidante con “Lie”, la voz de James LaBrie sobrevuela la canción acompañado por unos riffs atómicos de John Petrucci y unas líneas de teclados de Kevin Moore muy marcadas. El tema fue el primer sencillo del álbum, el videoclip se grabó sin la presencia del genial Kevin Moore, puesto que había abandonado el proyecto de Dream Theater.



La novena entrega tiene como protagonista principal al virtuoso John Myung. En “Lifting Shadows Off A Dream”, Myung y su bajo nos regalan una hermosa balada con su protagonista transitado por un mar de notas donde el resto de la banda le acompaña.

Entramos de lleno en el final del sueño… antes, nos esperan dos monumentos musicales la opulenta “Scarred”, once minutos de perfección instrumental donde, de nuevo, la voz de LaBrie nos muestra sus mejores galas. Otra de mis debilidades del disco. Una excelente demostración de como ejecutar una canción sin que se haga larga o pesada.

Vibrante y melancólica, “Space-Dye Vest”, nos muestra un final triste y emotivo donde las partes de piano de Moore nos involucran en una sensación de angustia. Un tema por momentos claustrofóbico y agonizante carente de alegría, que a su vez, te muestra los maravillosos registros compositivos que maneja el grupo y que les llevarían con el transcurso de los años a ser una de las bandas de Metal progesivo más influyentes del planeta.



Awake fue grabado por: John Petrucci (guitarras), John Myung (bajo), Kevin Moore (teclados), Mike Portnoy (batería) y James LaBrie (voz).

En aquella primavera de 1995, meses después de caer en mis manos, este “Awake”, se convirtió en una de las joyas imprescindibles de mi discográfia. Un disco que marcaría un rumbo glorioso para una banda que sembró el germen para las nuevas generaciones y, que a su vez, construyó una de las historias más exitosas de la música hasta nuestros días.


TRACK LIST

1. 6:00 – (Petrucci/LaBrie)

2. CAUGHT IN A WEB – (Petrucci/Labrie)

3. INNOCENCE FADED – (Petrucci)

4. A MIND BESIDE ITSELF:

I. EROTOMANIA – (Instrumental)

II. VOICES – (Petrucci)

III. THE SILENT MAN – (letra y música de John Petrucci)

7. THE MIRROR – (Portnoy)

8. LIE – (Moore)

9. LIFTING SHADOWS OFF A DREAM – (Myung)

10. SCARRED (Petrucci)

11. SPACE DYE-VEST – (letra y música de Kevin Moore)


Aquiles “El Vikingo” para LA MÚSICA DE EL AULLIDO DE LA BESTIA

FUGUE

Antes de comenzar, en nombre de los amantes de la música y el rock de España, queremos felicitarte por la calidad de tus composiciones.
Muchas gracias, son muy amables. Estamos emocionados de ser parte de su espectáculo.


Cuéntanos un poco sobre la historia del proyecto. ¿Cómo termina un australiano en Roma como base de operaciones?
[Risas] Bueno, hubo una serie de eventos laborales y de vida que me llevaron a Italia y ahora que he estado aquí por más de 8 años, es genial. Es una ciudad muy céntrica en Europa.


¿Cómo fue la grabación del álbum? ¿Te tomó mucho tiempo encontrar un sello para editar ‘The Spoils Of War‘?
Somos muy afortunados de formar parte de Agoge Records, desde hace aproximadamente 7 años. He trabajado con ellos en otros proyectos musicales en el pasado, por lo que hacer que trabajen con nosotros en este nuevo álbum fue como ir a casa y visitar a la familia.


¿Cómo definirías tu primer álbum?
Creo que es dinámico y es capaz de transportar al oyente a través de varias emociones en 9 canciones. Uno de nuestros objetivos principales es que no falte la energía durante ninguno de los álbumes, de hecho, se presentaron 20 canciones en la preproducción y solo 9 lo hicieron.


“El ala simboliza el escape, asociamos también el nombre de Fugue con esto, ya que es una hermosa evasión de todos los problemas”



¿Hay alguna razón por la que seáis un trío?
Sí, absolutamente. Encontramos que en un trío hay un fantástico equilibrio de frecuencias de sonido, cuando nos fijamos en un ritmo es muy gratificante hacer tal poder con solo tres miembros.


¿Conocías a los miembros de la banda antes de comenzar la aventura musical de Fugue o surgió sobre la marcha?
No, todos nos conocimos al comienzo del proyecto hace un año.


¿El ala que aparece en el diseño de la portada tiene alguna relación con el nombre del grupo?
Sí, absolutamente. El ala simboliza el escape, asociamos también el nombre de Fugue con esto, ya que la música es una hermosa evasión de todos los problemas.


¿Por qué el título del álbum ‘The Spoils Of War’?
The Spoils of War’, es una referencia a las cosas buenas que aprendemos a medida que avanzamos en las “batallas” de la vida que nos ayudan a ser mejores y más fuertes después.




He estado escuchando tus canciones durante unos meses, y tengo que confesar que AMO tu sonido. ¿Cuál es tu forma habitual de componer? ¿Sueles empezar con una melodía, una letra, un riff …?
¡Gracias! ¡Nos alegra saber que disfrutas el álbum! sí, generalmente una canción proviene de un riff o melodía vocal y luego toma forma.

El primer álbum de Fugue fue publicado en septiembre del año pasado, ¿tienes en mente publicar un segundo trabajo pronto? Sí, estamos en el proceso de completar las composiciones del segundo álbum y hasta ahora estamos muy contentos con lo que se está creando.


“Hay un fantástico equilibrio de frecuencias de sonido, cuando nos fijamos en un ritmo es muy gratificante hacer tal poder con solo tres miembros”



¿Cuáles son las influencias que inspiran tu sonido?
El rock poderoso de los 90’s.


¿Tienes un grupo o músico favorito? Nos encantan los grupos como Radiohead, Silverchair, Alice In Chains, Soundgarden…

¿Cómo percibes la escena musical en Italia? Muy desafiante. Se necesita mucho esfuerzo para compartir música nueva, especialmente en vivo.



¿Has tenido muchas oportunidades de actuar en vivo antes del confinamiento? Sí, tuvimos al menos un espectáculo al mes en diferentes partes de la ciudad, desafortunadamente, teníamos muchos más planeados, como la mayoría de las bandas que habrían sido increíbles, ¡pero estaremos llenos de nueva energía cuando todo termine!

¿Estás planeando una gira europea? ¿Te gustaría actuar en España? Definitivamente, estamos estableciendo contactos con bandas y localizaciones de Europa para hacer una gira por el viejo continente pronto, y sí… ¡España definitivamente está en nuestro mapa!

¿Dónde te gustaría verte en unos años?
Sería un sueño hacer esto a tiempo completo. Ojalá algún día se haga realidad.

Muchísimas gracias por tu tiempo, Luke. Ha sido un placer charlar contigo. Sería estupendo ver a Fugue pronto en directo en nuestro país. Un cordial saludo, Aquiles “El vikingo”. Gracias, ha sido un placer.

Por último, no podemos dejar pasar la oportunidad de agradecer a Raffaele Berisio y Locki Sanher por su inestimable colaboración para llevar a cabo esta entrevista. Por supuesto, agradecer también a Luke Corso, cantante, guitarrista y fundador de Fugue por dedicarnos su tiempo.


En la nueva emisión canalla de EL AULLIDO DE LA BESTIA, podréis escuchar uno de los temas del excelente álbum ‘Spoils Of War’ de Fugue. Pinchad en el siguiente enlace: https://www.spreaker.com/episode/27558889

Aquiles “El Vikingo” para LA MÚSICA DE EL AULLIDO DE LA BESTIA

XIV. EN MEMORIA DE NUESTROS PADRES (Podcast)

En la nueva emisión canalla de EL AULLIDO DE LA BESTIA, rendimos nuestro humilde homenaje a los padres de lo que hoy conocemos como Rock. El pasado 9 de mayo, Richard Wayne Penniman, más conocido como Little Richard, nos dejaba a los 87 años. Considerado como uno de los pioneros más influyentes del género, que junto a un elenco de músicos irrepetibles como Chuck Berry, Jerry Lee Lewis, Elvis Presley, ect… crearon pura poesía para una nueva generación. Además de ellos, escucharemos a bandas como Badlands y recordaremos al Dios del Metal que nos dejaba un 16 de mayo de 2010, Mr. Ronnie James Dio.

En nuestro habitual espacio de “EL RINCÓN DE LA ILUSIÓN” dedicado a bandas y músicos emergentes, escucharemos a la excelente banda vizcaína, Kartzarot. Las formaciones italianas, Lost Reflection, Straight To Pain y Fugue. Tampoco puede faltar nuestro grupo talismán, 16:05, el cual está de enhorabuena, puesto que su música se empieza a escuchar fuera de nuestras fronteras. Por último, también contaremos con los madrileños Chili Niter.

Llegaremos al final con dos de los padres del blues, dos INMENSOS músicos que marcaron una época en la década de los 50’s, Muddy Waters y Howlin’ Wolf.

¡ESPERAMOS QUÉ LO DISFRUTÉIS!

LA MÚSICA ES CULTURA… ¡EL ROCK ES RELIGIÓN!


En el siguiente enlace podéis escuchar una nueva emisión de EL AULLIDO DE LA BESTIA: https://www.spreaker.com/episode/27558889

Aquiles “El Vikingo” para LA MÚSICA DE EL AULLIDO DE LA BESTIA

KARTZAROT

Desde Euskadi nos llega el álbum de esta veterana formación llamada Kartzarot. Una obra repleta de calidad y con unas canciones que te ‘petaran’ los tímpanos. Charlamos con su batería, Jorge Cobelo sobre la elaboración de “L” y la actualidad de la banda vizcaína.




Antes de comenzar, me gustaría daros la enhorabuena por el SONIDAZO del grupo y las canciones de vuestro nuevo y EXCELENTE trabajo “L”.
Cuando Roberto Mellid, me hizó llegar el disco, lo primero que pensé al escucharlo fue: ¡Suenan de la LECHE! Dicho lo cual, es una putada no saber euskera. Igual es el momento de empezar a bucear un poquito en el idioma.

La historia de la banda se remonta a finales de los 80’s. Contadnos un poco sobre los inicios de Kartzarot y su bagaje musical hasta nuestros días. Kartzarot lo forman Javi Gallego (Guitarra) y Rober Mellid (Guitarra) el 4 de Febrero de 1989, festividad de Carnaval de Deusto, un barrio de Bilbao Oeste del que ambos son originarios. La primera formación “estable” fue la conformada por Asier Vicario (voz), Rober, Javi, Mitxi al bajo y Jon Lekunberri a la batería. Con esta formación consiguen bastante reconocimiento, y ojo, esto no es la típica fantasmada de nota de prensa: Yo era fan de la banda de chavalito, lo viví en primera persona, y estos tíos lo petaron bastante. Con el tiempo Asier y Jon dejaron la banda (Jon de hecho, fue sustituido por Natxo, un amigo mío del colegio y actual baterista de Split 77), y al final acabaron por separarse en el 99. En 2013 pasan dos cosas: Primera, que Iberia Metálica (sello madrileño) saca un recopilatorio con las dos primeras maketas (Kartzarot y Cuestión de Tiempo), y segundo, que en Lezama, el pueblo de Asier y zona en la que Kartzarot es “patrimonio cultural”, se lo camelan para hacer un concierto con la célebre estrategia del “no hay huevos”. Desgraciadamente, Jon y Mitxi no pueden por problemas de salud, y entramos a formar parte Txetxi Robredo (bajo) y yo (batería). Txetxi tocaba con Rober en un grupo tributo a la época del Load y el Reload de Metallica que se llamaba Hojalatica, y a su vez tocaba conmigo en un grupo de versiones que se llamaba Megamilf. Tela con los nombrecitos. Y así fue como entramos. Y hasta hoy.

Hace unos días, Roberto Mellid, uno de los guitarristas del grupo me aclaró el motivo del nombre de Kartzarot. ¿Os importaría repetir el significado del nombre de la formación para los seguidores que aún no lo sepan? El nombre es una “Euskerización” de Carcharoth, el lobo guardián de Angband, la fortaleza de Melkor en El Silmarillion de J.R.R. Tolkien (la precuela literaria de El Señor de los Anillos). Básicamente, y simplificándolo mucho, es “el perro del malo”. Significa “Fauces Rojas” en Síndarin, la “lengua macarra” de los elfos (la lengua de la “jet set élfica” es el Quenya). En esencia es la “Tolkienización” de Fenrir, el lobo gigante de la mitología nórdica, a pesar de que el nombre sea 50% griego (Carcha) y 50% inglés antiguo (Roth). No era un bicho muy listo, ya que en el libro tiene la brillante idea de comerse un Silmaril, una de las piedras mágicas talladas por Feanor (El tío de Galadriel, un máquina pero un puto psicópata), que es como si tú o yo nos comemos un trozo de uranio enriquecido. Fatal. Al final muere a manos (o patas, más bien) de Huan, el perro lobo de Beren (“El perro del bueno”). Anda que los frikis adolescentes de los 90 no traíamos guasa con “El perro Juan”… Como anécdota, decir que, del mismo modo que Tolkien se basa en la mitología nórdica y la pérdida de la mano de Tyr por un mordisco de Fenrir para crear la historia de Beren y Carcharoth, ésta a su vez sirve en 1979 de inspiración a George Lucas para crear la pérdida de la mano de Luke Skywalker a manos (valga la redundancia y nunca mejor dicho) de su padre en el centro minero de Cloud City en Bespin.

¿Cómo se gestó la creación y grabación del nuevo disco? Los temas son básicamente composiciones de Javi y Rober a las que los demás fuimos añadiendo nuestros toques personales. Nos las mandaban y las íbamos escuchando poco a poco, y en los pocos ensayos para los conciertos de ‘Arima Ez Da Galtzen’ (el anterior disco) que solíamos hacer, les dedicábamos un ratillo. Con el tiempo nos dimos cuenta que ensayar para los bolos era un poco tontería porque al final eso no te hace más que coger vicios y cansarte de los temas, y empezamos a dedicar más tiempo a las composiciones nuevas. Al final, cuando se acercó la fecha de grabar (Un par de meses antes), hicimos lo mismo que con el disco anterior, que es dejar de ensayar y prepararnos cada uno nuestras partes en casa.

¿Cómo habéis conseguido aunar un sonido tan pesado y tan cristalino? ¿Se trata de una seña de identidad del grupo?Gran parte del mérito es de las composiciones de Rober y Javi, que dejan respirar bastante a las canciones en cuanto a dinámicas, lo cual hace que Asier, Txetxi y yo podamos centrarnos en dichas dinámicas e intensidades. La otra gran parte del mérito es del grandísimo hacer de Pedro Monge (Vhäldemar) como productor.

Personalmente, además del sonido global del álbum, el resultado de guitarras lacerantes que habéis logrado me FLIPA. ¿Ha sido algo premeditado o se trata de un proceso evolutivo de la banda? Totalmente premeditado. Javi y Rober siempre han tenido muy claro cómo querían su sonido de guitarras, y tengo que decir que es algo que me parece respetabilísimo y genial. Por explicarlo sin términos técnicos rebuscados, digamos que no querían el sonido moderno ultraprocesado típico de las produs de guitarra actuales, pero tampoco el sonido crudo old school tanto del sonido antiguo como de las bandas que intentan emularlo actualmente. A fin de cuentas, suenan como les gusta, y eso está bien.

Como os he comentado al principio, aunque no entiendo un carajo de Euskera, el sonido nítido y robusto del grupo, unidos al sentimiento que transmiten y los desarrollos pesados y, por momentos, complejos que transitan entre el Heavy Metal o el Metal Progresivo, han evocado en mi memoria recuerdos de unos parajes y tierras que AMO profundamente y que me han llevado a disfrutar y admirar vuestra obra “L”. ¿Cómo definirias el sonido de Kartzarot?Kartzarot es una banda compuesta por cuarentones y cincuentones, y por eso es muy triste que, en cuanto a composición, sonemos más innovadores y menos “encorsetados” que la mayoría de grupos jóvenes. El purismo y el excesivo respeto a las tradiciones (En este caso, los clichés y los tópicos de producción metaleros) es un problema entre la chavalería del género. Por eso nos molesta que en muchas entrevistas y reseñas (al revés que en este caso, jeje) se mire exclusivamente nuestro DNI y se nos defina como una banda “clásica” en el sentido rancio de la palabra, cuando le realidad es diametralmente opuesta.

Vuestras letras tienen temáticas muy variadas: marginación social, alzheimer, violencia machista, la pasión de algunos miembros de la banda por el Athletic, etc… ¿Cuál es vuestra forma de componer? ¿El punto de partida es una melodía, un riff, una letra? Actualmente, la forma de componer es la siguiente: Rober y Javi son los que componen las canciones. Cada uno hace las suyas en su casa y nos las envía a los demás por WeTransfer. Seguidamente, Txetxi y yo componemos nuestras partes de bajo y batería respectivamente, intentando que sean lo menos arquetípicas y lo más alejadas de los estándares del género posible. Y por último, en el 99% de los casos Asier (cantante) hace las letras y compone las melodías de voz sobre lo que le pida el cuerpo. En definitiva, que hay dos compositores (Javi y Rober), y sobre sus bases los otros tres componentes hacemos lo que nos apetece.


KARTZAROT ES UNA BANDA COMPUESTA POR CUARENTONES Y CINCUENTONES, Y POR ESO ES MUY TRISTE QUE, EN CUANTO A COMPOSICIÓN, SONEMOS MÁS INNOVADORES Y MENOS ‘ENCORSETADOS’ QUE LA MAYORÍA DE GRUPOS JÓVENES”


¿De dónde surge la idea de llamar a vuestra nueva entrega “L”? Viene del número 50 en romano, ya que Asier, Javi y Rober los cumplieron el año pasado. En cierto modo, enlaza con la temática de ‘Sehaska Kanta’, del anterior disco, que trata sobre el paso del tiempo, las responsabilidades de la vida adulta, la educación de los hijos, etc… Personalmente, me encanta el hecho de enlazar temáticas y composiciones en discos diferentes. Vale que no es el Twelve Step Suite de Dream Theater, pero estas cosas siempre tienen su puntillo.

La portada del disco a pesar de ser sencilla, tiene su punto (a mi particularmente, me gusta por ese lobo aullador, no creo que haga falta que os diga el motivo… ) ¿Tiene algún mensaje escondido? La portada y el diseño del artwork tenían que ser “fáciles de hacer” desde el punto de vista de la ejecución técnica, ya que me iba a encargar yo de ello y no soy profesional del diseño, así que cuantas más dificultades me quitase de encima, mejor (Tengo un Photoshop 7. No el CS7, el 7. No digo ná y lo digo tó). Para ello, me inspiré en tres de mis portadas favoritas de la historia: El blanco de los Beatles, el Discipline de King Crimson, y el negro de Metallica. Todas ellas portadas “simples” sin mucho tomate. Por otro lado, había un par de condiciones sine qua non, que eran la inclusión del lobo, así como de una serie de palabras en segundo plano que contuviesen la letra “L” y que por diferentes razones consideramos que eran importantes tanto para nosotros como para la historia de la banda.



La última composición “Train” es una mezcla de euskera, inglés y castellano. ¿Os planteáis cantar en otro idioma además del euskera en nuevos trabajos? Por otro lado, el tema suena a despedida… ¿nos podéis decir algo al respecto? Train es un tema “de mentiras” que ni tocamos en directo ni ensayamos, porque “no existe”. A tiempo de entrar en el estudio (y al de salir, si me apuras, jeje) no tenía ni estructura ni letra. Cuando terminé de grabar las baterías, grabé con Pedro una línea de batería básica y unos cuantas muestras de cada elemento del kit para poder programar los breaks necesarios más adelante, y a medida que fueron grabando los demás, también fueron haciendo loops de cada instrumento. Al final, Asier hizo la letra en tres idiomas diferentes, lo cual, para un tema rockero y “gamberro” como éste, me parece una genialidad brillantísima. En un principio pensamos meterla como bonus track, pero al final tiene su pista, aunque la letra no esté en el libreto. En cuanto a la temática, trata de lo que es tener una banda de rock duro a ciertas edades, es decir, que lo mismo dura diez años más como puede ser que nos separemos la semana que viene.

¿Qué puede esperar de Kartzarot una persona que no haya visto nunca a la banda en directo? Para empezar, Txetxi es el virtuoso del grupo, y yo ejerzo de “segundo frontman” en cuanto a show escénico, así que lo primero que se van a encontrar es un grupo que se salta los topicazos jerárquicos del género.

Otra cosa que se van a encontrar en bastante improvisación. Solemos incorporar o eliminar elementos durante el concierto, incluso durante las propias canciones, cambiamos el carácter de algunos fragmentos de los temas incorporando ritmos de otros estilos según nos apetezca (Swing, Reggaeton, Grindcore), y también interactuamos mucho tanto entre nosotros como con el público, incluso en “plazas” grandes.

Otra cosa buena que se van a encontrar es que podemos defender los discos en directo. Si vienes a vernos, no te vas a llevar el chasco de que el disco suena brutal pero en directo suena a cartón.

Lo que está claro es lo que NO te vas a encontrar si vienes a un concierto de Kartzarot: Pirotecnia, músicos poniendo pose forzada de malote que se mueven menos que un gato de escayola, ropa negra, más pistas disparadas que música real, maquillaje… Si te gusta ese tipo de Metal, mejor no vengas porque te vas a llevar una desilusión. Pero si no tienes miedo a ir cambiando de siglo, no dudes en venir [risas].


“SI NO ME EQUIVOCO, TENEMOS YA COMO SEIS O SIETE TEMAS NUEVOS EMPEZADOS”


Antes de toda esta situación de confinamiento, ¿teníais conciertos previstos? Varios, pero es lo que ha tocado. En lo particular nos ha venido muy bien, ya que Javi me ha ido mandando material que tiene y le he podido dedicar tiempo. Si no me equivoco, tenemos ya como seis o siete temas nuevos empezados.

Por otro lado, al respecto de las consecuencias del confinamiento en el arte, hay una cosa que me gustaría comentar: Hay mucha gente de varios gremios “no artísticos” relacionados con el arte, tanto asalariados por cuenta ajena como autónomos, que van a pasarlo muy mal con esta situación, y hablo de personal administrativo de oficinas de management, técnic@s de sonido y luces, electricistas, montador@s, personal de producción y stage management… Y ésta gente necesita que los “artistas” les apoyemos pero nos hagamos a un lado para no quitar protagonismo a sus protestas. ¿Por qué digo esto? Pues porque últimamente estoy viendo que se están realizando “movilizaciones” a este respecto, y muchas bandas y músicos se están subiendo al carro con el único fin de promocionarse y ponerse el pin, y en muchos casos estos músicos son gente que no vive de la música y que tiene sus trabajos “convencionales”. ¿Qué se consigue con esto? Pues que se frivoliza la problemática, y las protestas de l@s trabajador@s profesionales de los curros “convencionales” del mundo artístico en busca de una solución institucional a su situación laboral se banalizan, porque unos cuantos mecánicos, ingenieros, soldadores, comerciales y abogados que en su tiempo libre tocan un instrumento, fagocitan esta protesta en nombre de su hobbie, y todo por sumar media docena de likes y hacer promo. En definitiva, que el músico heavy promedio debe ser responsable y no joder la marrana, porque hay gente que lo está pasando realmente mal.

¿Cómo percibis el panorama Metalero a nivel general y en particular en vuestra tierra, Euskadi? “Demasiado” bien. La categoría técnica de los músicos, la de la producción, el bagaje melómano de los intérpretes o la puesta en escena están a un nivel, a mi parecer, superior al del norte de Europa y a la par del de Estados Unidos. Pero hay un problema gravísimo, y es la falta de originalidad: La gran mayoría de bandas de Metal de temas originales en Euskadi, a pesar de pasarse técnicamente por la piedra a las de media Europa, son “Tributos encubiertos” cuyas composiciones se basan en repetir fórmulas más vistas que el tebeo. Y eso es algo que, como colectivo, nos tendríamos que mirar. ¿Quién tiene la culpa de esto? Pues el hecho de que no hay manera de sacar de la cabeza a los grupos lo que yo llamo “el círculo vicioso de la promoción”, es decir, el proceso de “dar  la brasa en redes sociales + grabación + videoclip + presentación del disco + pago del impuesto revolucionario a los medios impresos + tocar gratis en algún festi grande a las 5 de la tarde”. Esa fórmula está más acabada que Lars Ulrich, y muchas bandas tienen miedo a arriesgar en lo compositivo porque no se atreven a salirse de los estándares de éste círculo vicioso.


Javier Gallego (guitarra), Txetxi Robredo (bajo), Asier Vicario (voz), Jorge Cobelo (batería)
y Roberto Mellid (guitarra), ellos son, Kartzarot.

Pensando en lo bien que suena la banda, vamos a soñar un poco… ¿dónde os veis de aquí a un par de años? ¿de gira por España, Europa, América, grabando un nuevo álbum… o todo junto? Lógicamente, de gira no. La mayoría del grupo tiene responsabilidades de lunes a viernes que son incompatibles con girar “de verdad”. A parte de que, si ya nos cuesta meter gente fuera del Gran Bilbao y el Txorierri, como para andar pensando hacer cosas más allá, jeje. Por otro lado, nuestra filosofía a este respecto es clara: Tenemos la suerte de que todos los veranos hacemos varios conciertos muy bien remunerados con un caché muy por encima del  habitual en bandas de nuestro género y nivel, y por ello en invierno podemos permitirnos hacer sólo los conciertos que nos apetezca como hobbie, incluso si nos salen a perder. El asunto es que sabemos perfectamente dónde nos metemos. Para que se me entienda: En otoño-invierno-primavera, preferimos hacer un concierto cutre de bar en el que sabemos que nos vamos a divertir y vamos a pegarnos una buena cena, a tocar en un “Pacofest” de los que se supone que “te dan visibilidad” y “son una oportunidad”,  pero al final sólo te acarrean presiones y preocupaciones, y para terminar tocando para los mismos cuatro gatos y no sacando nada en claro. Y si podemos permitirnos hacer esto es porque todos los veranos nos hacemos tres o cuatro conciertos de 800 pavos cobrando en A.

Por otro lado, lo de salir a tocar fuera de nuestra área es algo que nos encanta, pero siempre dando prioridad al viaje, la cena, la juerguilla y ese tipo de cosas que a lo que el concierto nos pueda aportar artísticamente: Nos lo tomamos más como un fin de semana con los amigos que como algo musicalmente relevante. Y, por supuesto, si cuadra que un invierno nos hacemos tres conciertos fuera, ni locos se nos ocurre llamarlo “gira” como hace mucha gente [risas].

¿Qué opináis de las nuevas plataformas de difusión tipo Spotify, podcast, Amazon? Si, como en nuestro caso, tu objetivo es únicamente dar a conocer tu “arte” sin ningún tipo de ambición especial, son una maravilla. Pero si quieres que te dé dinero, no te obceques con ello porque no sirve. Es como la promoción: A pesar de que las plataformas sean digitales, el público es analógico. Es algo que se empezó a ver hace cinco o seis años, cuando bandas con decenas de miles de seguidores en RRSS se quejaban de tener problemas para hacer media entrada en tascas de 50 personas y culpaban de ello al poco apoyo del público, pero en la sala de al lado había un grupo sin Instagram ni Twitter metiendo a 250 personas. Pues esto es lo mismo. Si quieres que la gente vea lo que haces, Spotify es fantástico, pero si quieres que te haga tocar más y en mejores condiciones, mejor vete a una oficina y paga un mánager.

Por otra parte, hay que recordar que estamos hablando de Metal, un género en el que la media de edad es bastante alta y la tecnología no es tan “definitiva” como en géneros propios de gente más joven. En tales circunstancias, creo que, para la difusión del Metal, las plataformas digitales más adecuadas siguen siendo las Redes Sociales “obsoletas” ( O “de viejos”) como Youtube o Facebook.

Cuáles son vuestras influencias musicales y bandas o músicos favoritos? Bastante variadas. Digamos que Asier, Javi y Rober son de Rock y Heavy más clásico y “setentero”, mientras que Txetxi y yo somos más de ”progresivo” y de los 90s. Lo cual tiene bastante  sentido porque, a pesar de ser muy clásicos somos una banda con muy pocos topicazos ochenteros. En lo personal, a la hora de hacer baterías para Kartzarot, hay dos géneros (Ambos noventeros) que siempre tengo presentes, y son el Brit Pop y el Technical Death Metal. Cada vez que hago una batería, mi frase de referencia es “¿Que tendría que hacer en este tema para contentar a Chuck Schuldiner y Damon Albarn?”. Y por supuesto, sus “corolarios”: Para los fragmentos “prietos” previos a las resoluciones, me inspiro mucho en las partes instrumentales de bandas como Necrophagist u Obscura, mientras que para secciones más “holgadas” hago lo propio con grupos como Kaiser Chiefs o Franz Ferdinand.

Por último, si surgiese la posibilidad de colaboración con otros músicos o bandas, ¿quiénes os gustaría que fuesen? Yo diría que la elección del consenso sería Joe Lynn Turner, por lo siguiente: Ha cantado con Michael Shenker, que es uno de los guitarristas favoritos de Rober y Javi, ha formado parte de la “Saga Purple”, de la que Asier es fan declarado, y su baterista Garry King es amigo mío. Así que casi todos contentos (menos Txetxi).

En lo personal, me gustaría colaborar con gente con la que creo que tengo afinidad personal, como Devin Townsend, John Bush (Ex Anthrax), Howard Jones (Ex Killswitch Engage), Lzzy y Arejay Hale, o bandas como Dry River, Pearl Jam o SuTaGar.

Muchísimas gracias por tu tiempo, Jorge Cobelo. Ha sido un verdadero placer charlar contigo y poder conocer un poquito mejor a Kartzarot.

Desde nuestra humilde morada, queremos animar a la banda para que sigáis adelante con un proyecto sonoro tan interesante como es el vuestro. No tengáis ninguna duda que desde “El Aullido de la Bestia”, vamos a promocionar vuestra propuesta musical.

Un abrazo a todos y GRACIAS de nuevo.

ESKERRIKASKO!


En el siguiente enlace de la emisión de EL AULLIDO DE LA BESTIA, podéis escuchar varios temas del excelente disco de Kartzarot “L”.
https://www.spreaker.com/episode/24268375

Aquiles “El Vikingo” para LA MÚSICA DE EL AULLIDO DE LA BESTIA

WHITE LION – “All You Need Is Rock ‘N’ Roll” (5 CD’s Box Set)

Todos los nostálgicos de los tiempos dorados del Rock Melódico y el Hard Rock de los 80’s estamos de enhorabuena. El orgullo del gran león blanco está de vuelta y, sabe de sobra, que todo lo que necesitamos es Rock And Roll para rememorar aquella etapa gloriosa. El próximo 26 de junio, la discográfica británica Cherry Red Records, pone en circulación una caja con los cuatro álbumes de estudio de White Lion, más un quinto compacto de su mítica grabación en directo en el Ritz de Nueva York en 1988, y que además, incluye rarezas. Es cierto, que un servidor, acérrimo de la banda de Mike Tramp y Vito Bratta, echa en falta un DVD con todos los videos del grupo. Habría sido una oportunidad perfecta para hacer realidad los sueños de much@s de sus seguidores.


Formados en Nueva York en 1983, por el cantante danés Mike Tramp (ex-integrante de Mabel), y el guitarrista norteamericano Vito Bratta (ex-integrante de Dreamer). En 1984, publican su álbum de debut, “Fight To Survive”. Su segunda entrega “Pride”, editado por el sello Atlantic Records les abrió las puertas del estrellato gracias a los singles “Waity “When The Children Cry”, que se convirtieron en un rotundo éxito. La banda había incorporado a James LoMenzo (ex-Megadeth al bajo) y a Greg D’ Angelo (ex-Anthrax a la batería). En 1989, vio la luz su tercer trabajo “Big Game”, con el cuál, White Lion vuelve a deleitar a sus fans con su clásico sonido. “Little Fighter”, “Cry For Freedom” y “Radar Love”, una estupenda versión del grupo Golden Earring fueron los singles del disco. La llegada de una nueva década marcó un punto de inflexión para las bandas y músicos de éste género, a pesar de ello, en 1991, publicaron su cuarta obra “Main Attraction”, un excelente álbum donde White Lion endurecieron su sonido con temas como “Lights And Thunder” o “Warsong” y que tuvo como sencillos “Love Don’t Come Easy” y la regrabacion de la canción incluida en su primer trabajo, “Broken Heart”. La formación se separa en 1991 y en 1992 se publica un recopilatorio llamado “The Best Of White Lion”.

En el ocaso de 2007, se anunció la vuelta del grupo, aunque sólo contaba con Mike Tramp como miembro de la época más esplendorosa de White Lion. El nuevo disco llevaba por título “Return Of The Pride” y fue lanzado en marzo de 2008 gracias al sello italiano Frontiers Records.

Muchos de los amantes del león blanco anhelamos el sonido de su guitarrista y fundador, Vito Bratta. Desgraciadamente, sufrió una lesión en la muñeca en 1997 que le provoca dolores al tocar su guitarra eléctrica, aunque si puede hacerlo con la clásica.


DISC ONE:
“FIGHT TO SURVIVE” (1985)

1. Broken Heart
2. Cherokee
3. Fight To Survive
4. Where Do We Run
5. In The City
6. All The Fallen Men
7. All Burn In Hell
8. Kid Of 1000 Faces
9. El Salvador
10. The Road To Valhalla



DISC TWO:
“PRIDE” (1987)

1. Hungry
2. Lonely Nights
3. Don’t Give Up
4. Sweet Little Loving
5. Lady Of The Valley
6. Wait
7. All You Need Is Rock N Roll
8. Tell Me
9. All Join Our Hands
10. When The Children Cry
BONUS TRACKS•
11. Wait (Extended Remix)
12. When The Children Cry (Edit)
13. All You Need Is Rock N Roll
(Lp Version With Intro Edit)
14. All You Need Is Rock N Roll
(Short Version)
15. Tell Me (Edit)



DISC THREE:
“BIG GAME” (1989)

1. Goin’ Home Tonight
2. Dirty Woman
3. Little Fighter
4. Broken Home
5. Baby Be Mine
6. Living On The Edge
7. Let’s Get Crazy
8. Don’t Say It’s Over
9. If My Mind Is Evil
10. Radar Love
11. Cry For Freedom
BONUS TRACK
12. Cry For Freedom (Edit)



DISC FOUR:
“MANE ATTRACTION” (1991)

1. Lights And Thunder
2. Broken Heart
3. Leave Me Alone
4. Love Don’t Come Easy
5. You’re All I Need
6. It’s Over
7. Warsong
8. She’s Got Everything
9. Till Death Do Us Part
10. Out With The Boys
11. Blue Monday
12. Farewell To You
BONUS TRACK
13. Lights And Thunder (Edit)



DISC FIVE:
“LIVE: RITZ – NEW YORK” (1988)

1. Hungry
2. Don’t Give Up
3. Lonely Nights
4. Sweet Little Loving
5. Broken Heart
6. Fight To Survive
7. Tell Me
8. All Join Our Hands
9. Wait
10. Lady Of The Valley
11. The Road To Valhalla
12. All You Need Is Rock N Roll
13. When The Children Cry
14. Little Fight (Live In Rehearsal 1991)
15. When The Children Cry
(Live In Rehearsal 1991)
16. Don’t Give Up (Live In Rehearsal 1991)



Aquiles “El Vikingo” para LA MÚSICA DE EL AULLIDO DE LA BESTIA

Ronnie Romero está de vuelta junto a “Los Señores de Negro”



Mediante una comunicación oficial, el guitarrista Tony Hernando, ha confirmado el regreso del titánico cantante, Ronnie Romero a Lords Of Black.

Bueno, pues el momento llegó… y sí, muchos acertaisteis de pleno, ¡Ronnie Romero está de vuelta con nosotros!

¡De verdad que espero estéis tan felices e ilusionados como lo estoy yo con este nuevo capítulo de Lords Of Black!

El nuevo álbum “Alchemy Of Souls Pt I” os va a alucinar y estamos deseando volver a tocar para todos vosotros cuando las circunstancias lo permitan. Por ahora, os pido por favor que le deis la bienvenida a casa a Ronnie y podéis vernos hoy más tarde en un chat en directo en Facebook con nuestros amigos de Frontiers Records. ¡Muchas gracias a todos por vuestro apoyo incondicional SIEMPRE!

El incombustible cantante no ha dejado de estar involucrado en una infinidad de proyectos desde su salida de la banda. Su última colaboración ha sido junto a Adrian Vandenberg, junto al guitarrista holandés grabó recientemente “Shadows Of The Night”.



El sello italiano Frontiers Records ha puesto en circulación un vídeo del tema “Forevermore”, en acústico para celebrar la vuelta de Ronnie Romero a Lords Of Black.


Aquiles “El Vikingo” para LA MÚSICA DE EL AULLIDO DE LA BESTIA

FUGUE – “La Conexión Italo-Australiana”

El trío Fugue, posee un sonido que cautivara tus sentidos desde el instante que sus acordes invadan tus oídos. Formado a comienzos de 2019, por el cantante y compositor australiano, Luke Corso, que junto con Anna Bach al bajo y Renato Fabrizi a la batería, decidieron dar forma a éste interesantísimo proyecto de rock alternativo/post grunge. Un cóctel ecléctico de tendencias sugerentes que navegan por los océanos infinitos del Universo sonoro hasta que su oleaje rompe en los acantilados de tus emociones. Su álbum de debut lleva por título, “The Spoils Of War”, y vió la luz en septiembre del pasado año a través del sello Agoge Records. Su sencillo “Smoketrails”, cuenta con un video que fue publicado en julio de 2019 y es toda una declaración de virtudes musicales repletas de calidad.
La base de operaciones de la formación de Luke Corso, está en Italia, y su inspiración se alimenta de las cenizas del rock que una vez gobernó el mundo.


Anna Bach (bajo), Luke Corso (voz y guitarra) y Renato Fabrizi (batería) forman FUGUE, un excelente trío con sede en Italia”.


“El diseño de la portada te invita a volar con la música del grupo”.

FUGUE – “The Spoils Of War” (2019) Agoge Records

1. Smoketrails

2. Run

3. Leaves

4. The Shroud

5. Waterline

6. Air

7. Hungry Sea

8. Siren

9. Walls



Facebook: http://www.facebook.com/Fugue-529079680961495


En la última emisión de EL AULLIDO DE LA BESTIA, podéis escuchar uno de los temas de la banda de Luke Corso, Fugue: https://www.spreaker.com/episode/26960189

Aquiles “El Vikingo” para LA MÚSICA DE EL AULLIDO DE LA BESTIA

XIII. THANKS A LOT, GOYO AVILÉS (Podcast)


La nueva entrega de la emisión canalla de EL AULLIDO DE LA BESTIA, rescatara tres de los álbumes que nos dejamos en el tintero en la trilogía que dedicamos a los “NACIDOS EN ABRIL”. Escucharemos los debuts discográficos del cantante de Mötley Crüe, Vince Neil, los norteamericanos Hardline, con el titán de las cuerdas vocales Johnny Gioeli y el excelso guitarrista Neal Schon al frente. Por último, los legendarios Barón Rojo y su “Larga Vida Al Rock And Roll”. Bandas como los vikingos suecos Europe y el virtuoso Yngwie J. Malmsteen’s. Los geniales The Defiants, Queensryche, Megadeth y el fabuloso guitarrista irlandés, Rory Gallagher.

En nuestro espacio, “EL RINCÓN DE LA ILUSIÓN”, sonarán las bandas romanas, Fugue, This Void Inside y Lost Reflection. ¡Esperamos que lo disfrutéis!

LA MÚSICA ES CULTURA… ¡EL ROCK RELIGIÓN!


En el siguiente enlace podéis escuchar una nueva emisión de EL AULLIDO DE LA BESTIA: https://www.spreaker.com/episode/26960189

DEATH&LEGACY



La formación zamorana estrena su tercer álbum “Inf3rno”. Un trabajo repleto de calidad que significa un antes y un después en el sonido evolutivo de la banda.


En primer lugar, me gustaría dar la enhorabuena a la banda por el estupendo resultado que habéis logrado con éste Inf3rno. Muchas gracias por tus palabras. Es un placer estar con vosotros.

Antes de comenzar a “destripar” vuestro nuevo y excelente disco, nos gustaría que nos hablaseis un poco de los comienzos y la historia del grupo. La banda se formó en Zamora, en el 2013. Cada uno de los componentes éramos amigos desde hacía años, compartíamos escenarios incluso otras formaciones… Teníamos inquietudes similares sobre hacer un proyecto nuevo, juntos… empezamos a ensayar, a componer y vimos que nos divertíamos y nos gustaba mucho, y decidimos formar la banda y dar un paso más.

¿Qué os inspiró para llamar al grupo Death&Legacy? Nuestras letras hablan sobre la muerte, su herencia, todo lo que dejas atrás, tanto uno mismo como todos los que nos rodean, sueños, ilusiones, esperanzas, proyectos… Y como cantamos en inglés, el nombre vino bastante rodado.

Desde vuestros inicios habéis cantado en inglés, ¿os planteais hacerlo en algún momento en castellano? No. Creemos que es el idioma que mejor expresa nuestros sentimientos y que mejor conjuga con el estilo musical que hacemos.

En 2014 veía la luz vuestra ópera prima “Burning Death” y en 2016 “Silence”, en esta vuestra tercera entrega, ¿ha variado mucho la forma de componer y estructurar las canciones desde vuestros inicios hasta la actualidad? No en la base, pero sí en la forma. Seguimos llevando básicamente el mismo proceso, basándonos en los mismo pilares musicales de riffs, melodías y cómo encontrar las atmósferas que queremos que experimente el oyente, pero, evidentemente, han pasado años, experiencias, hemos aprendido mucho, e intentamos aplicar todo ello en cada nueva obra, creando cada vez una producción superior y que nos defina de manera más completa en cada momento.

A la hora de crear los temas, ¿es alguno de los componentes del grupo quien tiene más peso en su elaboración o se encarga toda la banda? Cada uno siempre aporta lo mejor de sí mismo para que la obra pueda alcanzar la cota más alta a la que podamos aspirar. Generalmente, yo puedo dar una idea base, de riff o melodía, que Manu convierte en una canción y los demás añaden sus anotaciones.


“Gustavo Sazes, ha diseñado por completo la presentación de la obra obteniendo un resultado magnífico“.

El sonido y la calidad de vuestro nuevo trabajo me ha sorprendido muy gratamente, se nota una evolución musical de la banda. ¿Qué ha significado para vosotros trabajar con Mikko Karmila y Mika Jusila? Se podría definir como una experiencia de vida, impagable, donde intentas absorber cada minuto a su lado para aprender más y más. Nos ha dado la posibilidad de elevar el nivel de producción y de sonido a un listón que nunca hubiéramos imaginado.

Cuéntame como fue el proceso de buscar una nueva cantante para la formación. Hynphernia, ha mostrado unas excelentes cualidades y se percibe que se ha adaptado perfectamente a la idiosincrasia del grupo. ¿Cómo surgió la posibilidad de que tomase las riendas vocales de Death&Legacy? Hynphernia, nos ayudó a llevar adelante el último concierto de la gira “Silence”, en ese preciso momento nos conocimos, y allí, nos demostró su enorme valía vocal y como frontwoman. Para este nuevo disco queríamos potenciar nuestra vertiente más extrema y enseguida vimos que ella era la más indicada. Después de hablarlo en algunas reuniones y de empezar la preproducción de las voces de este disco, no hubo la menor duda.


“Trabajar con Mikko Karmila y Mika Fusila se podría definir como una experiencia de vida, impagable, donde intentas absorber cada minuto a su lado para aprender más y más…”


La concepción del álbum gira en torno al infierno, ¿es una temática que os llama la atención? Siempre buscamos que cada obra tenga una linea argumental que la una, y en este caso, fueron las distintas concepciones que se le puede dar al infierno. Evidentemente, también es una temática muy atrayente y que siempre causa cierta inquietud.

¿De quién surgió la idea de incluir una edición especial con un cuidado artwork? Contar con el maestro Gustavo Sazes para el diseño completo de la obra, y ver su enorme talento y capacidad creativa, plasmando cada una de nuestras ideas, nos llevo a querer llevarlo todo más lejos, sentimiento que siempre adoptamos a cada una de las labores que nos enfrentamos… unirlo todo con la Divina Comedia de Dante fue la manera perfecta de cerrar un concepto global.


“Death&Legacy está formada por: Hynphernia (voz), Charly (batería), Manu y Jesús (guitarras) y Hugo (batería)”.

Inf3rno cuenta con la participación de Israel Ramos, ¿cómo se gestó esa opción? Tengo la suerte de ser su amigo desde hace años, y le respeto tanto personal como profesionalmente como uno de los mejores cantantes internacionales del momento. Aunque nos acercáramos a nuestra parte más extrema, no queríamos olvidar las líneas melódicas que son una seña de la banda, y él era el mejor candidato. Estudiamos las posibilidades y vimos que encajaba perfectamente, asi que nos decidimos a llevarlo a cabo.

¿Cuáles son vuestras influencias y bandas o músicos favoritos? Somos bastante clásicos en ese sentido, Metallica, Slayer, S.A., Machine Head… o más “modernos” como Arch Enemy, In Flames, etc…

¿Vuestra base de operaciones está asentada en Zamora? Sí, la banda es zamorana, en la capital está el local de ensayo y es nuestro punto de encuentro y partida hacia todo.

¿Cómo veis el panorama del Metal español? Más rico y virtuoso que nunca, con un montón de bandas de diferentes estilos que saben hacer las cosas realmente bien, y que a la mínima oportunidad, van a demostrar que hay relevo generacional de sobra.


“Jesús Cámara, guitarrista y fundador de la banda”.


Por último, quienes componéis en la actualidad, Death&Legacy. Hynphernia a la voz, Charly a la batería, Hugo al Bajo, y Manu y Jesús a las guitarras.

Muchas GRACIAS por dedicarnos éste agradable ratito y os deseamos MUCHO éxito a través del Universo sonoro. Gracias a vosotros por vuestro trabajo y dedicación, sin el cual, nada de esto sería posible.

Desde nuestro humilde cubil, queremos agradecer a Cdmusicradio y Duqueproducciones, las facilidades para realizar la presente entrevista.


Aquiles “El Vikingo” para LA MÚSICA DE EL AULLIDO DE LA BESTIA

DOKKEN – “Back For The Attack” (1987) Review

El álbum que nos ocupa hoy en nuestro cuaderno de bitácora es el cuarto trabajo del grupo norteamericano de Hard Rock Melódico Dokken. Curiosamente, fue el último que grabó la banda de Don Dokken en estudio antes de su separación por los constantes problemas entre el cantante y el virtuoso guitarrista George Lynch. Antes de su separación dejaron una grabación en directo llamada “Beast From The East”, editada en 1988. “Back For The Attack”, fue producido por Neil Kernon y grabado entre diciembre de 1986 y agosto de 1987 en los Total Access Studios en Redondo Beach. Publicado por Elektra Records. Su anterior entrega discográfica “Under Lock And Key”, había supuesto todo un éxito para la crítica musical y, a su vez, les ponía el listón muy alto para su nueva apuesta musical. Durante este viaje por el disco os contaré mis sensaciones con respecto a los que en ese momento se convirtieron en “Los Guerreros del Sueño”.

Un comienzo guitarrero de un minuto junto a una base rítmica furiosa hacen de “Kiss Of Death”, una canción absolutamente demoledora. Con unos riffs aplastantes y una demostración excelsa de energía y técnica del Sr. Lynch que os dejará las vísceras patas arriba. El título del tema le queda como un guante al “Beso de la Muerte”… “cuando ella te bese, los solos de George te salvarán”. Sin lugar a dudas, una de las joyas del disco.

“Prisoner”, es un tema desenfadado con una ejecución perfecta. Coros que irumpen con energía y un George Lynch decorando la canción en cada momento preciso con su incendiaria guitarra. Jeff Pilson y Mick Brown, harán gala a lo largo de todo el trabajo de una contundencia y elegancia magistral. Composición de Hard Rock adictivo y pegadizo.

Con “Night By Night”, la banda deja patente su calidad y buen gusto a la hora de componer soberbios temas de Hard Rock. De nuevo, coros inmaculados y estribillos pegadizos. La guitarra de Lynch vuelve a hacer de las suyas. En está ocasión coquetea con un acorde más bluesy. Su aportación a lo largo de todo el álbum es para quitarse el sombrero con un sonido cristalino que, junto a la voz de Don, confieren al disco de una atmósfera mágica.

“Standing In The Shadows”, igual que su predecesora, es otra composición llena de sonidos que emanan Hard Rock Melódico por todos los poros de su estructura. Inicio lleno de elegancia y frecura con la voz de Don impregnado el tema con su particular estilo. Coros y melodías envolventes dibujan una sonrisa en nuestros labios. Después de cuatro pistas, Dokken, no dejan atisbo de duda, estamos ante un DISCAZO.

Don Dokken nos desvela en “Heaven Sent”, los encantos de su garganta, sin poseer unos grandes registros, Don, siempre se ha caracterizado por saber transmitir muy bien en cada estrofa sus emociones con su carismática voz. Lynch, está INMENSO en la ejecución de las partes de guitarra, demostrando una vez más una solvencia insultante… ¡TEMAZO!



Estamos ante una composición como “Mr. Scary”, donde nuestro admirado George Lynch, nos muestra toda su técnica y ferocidad. Un tema versátil repleto de matices de gran calidad, no en vano, fue nominada a los grammy. Bajo mi modesta opinión, el guitarrista norteamericano está entre los mejores del género sin lugar dudas, puesto que aúna melodía, magistral destreza con las seis cuerdas y una agresividad que le hacen único. En éste “Back For The Attack”, desarrolla uno de los trabajos más completos de toda su trayectoria hasta la fecha. Otro detalle que hace especial éste disco es su falta de baladas, en contra de lo que se estilaba en la época por parte de sus bandas contemporáneas.


“La portada del álbum es un sugerente estímulo para devorar su interior”.

El inicio de “So Many Tears”, ya nos avisa de que estamos ante otro temón de la banda. El timbre vocal de Don nos acaricia el alma junto a unos coros angelicales. Se trata de una pieza melancólica donde nuestro cantante se desenvuelve a las mil maravillas. Del Sr. Lynch, ni hablamos… ¡su guitarra nos hace vibrar con cada nota!

“Burning Like A Flame”, fue uno de los singles del álbum y con ayuda de un videoclip muy llamativo y vacilón se convirtió en un habitual de la MTV. Se trata de un tema desenfadado con George Lynch incendiando la pieza junto sus compañeros de brigada.



Siempre que escuchaba el inicio de esta canción en mi adolescencia, “Lost Behind A Wall”, me imaginaba subido en un avion rumbo a algún lugar de ensueño. Tal vez junto con “Sleepless Nights”, la composición más insulsa del álbum, pero tal vez, el solo de George Lynch, te haga pensar lo contrario, si es así, desde luego yo no te lo voy a rebatir.

Una exquisitez acústica inicia “Stop Fighting Love”, que da paso a un estribillo armonioso y contundente junto a la voz de Don Dokken, que vuelve a tocarnos “la patata” con un sentido mensaje. El cantante dota de una química especial a la composición y su compañero Sr. Lynch, factura unos riffs de maestro. Durante los 80’s, (a pesar de sus diferencias musicales), la pareja dotó a la banda de una calidad compositiva de una química especial.

El grupo al completo se luce en “Cry Of The Gypsy”. Otra vez la melodía y un estribillo robusto con un Lynch, sobresaliente a la guitarra.


“Jeff Pilson, Don Dokken, George Lynch y Mick Brown supieron exprimir al máximo sus virtudes tanto compositivas como musicales para ejecutar una de las joyas del Hard Rock Melódico de los 80s“.


Llegados a este punto con “Sleepless Nights”, quizás tengamos la sensación de haber perdido un poco de energía, a pesar de la entrada guitarrera de la canción con el apoyo de Mick Brown. Supongo que la banda estaba tomando un poco de aliento para lo que se nos venía encima con los “Guerreros del Sueño”.

Otra de las delicias del disco la encontramos en “Dream Warriors”, tema que formó parte de la tercera entrega de las pesadillas de Freddie Krueger. Se trata de un tema de Hard Rock Melódico de altos vuelos con un estribillo que no podrás dejar de repetir una y otra vez y un solo antológico del Sr. Lynch. Como dato curioso, la canción fue compuesta un año antes de la publicación del disco puesto que la productora de “Pesadilla en Elm Street III”, deseaba incluirla en la banda sonora del film terror. Una de mis preferidas con un vídeo donde podemos ver a los miembros de la banda junto con los protagonistas de la película y las afiladas cuchillas de Freddie.



La canción que da título al álbum “Back For The Attack”, fue descartado de las sesiones de grabación de su anterior trabajo “Under Lock And Key”, y tampoco consiguio hacerse un hueco en éste, salvo en la reedición japonesa de 2009 y en ésta de Rock Candy de 2015. En su origen, se convirtió en cara “B” de la canción “Dream Warriors”.


“Garras, zarpas, colmillos… volvemos al ataque. Disfrutad de una batalla sonora de ensueño”.

Como comenté al principio, tras la publicación de éste excelente trabajo y su correspondiente gira con la grabación de un directo en la Tierra del Sol Naciente, las continúas tensiones entre George Lynch y Don Dokken, llevaron a la separación de la banda. Don, grabaría un excelente álbum junto al guitarrista sueco John Norum,”Up From The Ashes” y Lynch, formaría su propio grupo Lynch Mob, que nos regalaría otra joya en los 90’s bajo el nombre de “Wicked Sensation”. Un disco que contiene pasajes y recuerdos mágicos en su interior de un tiempo donde el Hard Rock llenaba estadios y sus acordes nos llenaban el corazón.


Aquiles “El Vikingo” para LA MÚSICA DE EL AULLIDO DE LA BESTIA.